contact
A project by Iskra Blagoeva
EXHIBITIONS 2024
HEAR MY VOICE | Stories from a man’s soul 01.11 - 18.11.2024 г. Photographer: Pavel Chervenkov Sound installation: Emilian Gatsov-Elbi With the portraits of: Alexander Kadiev, Georgi Gospodinov, Iliyan Djevelekov, Marten Roberto, Hovhannes Torosyan, Tsvetoslav Tsonev-Tsuro, Yasen Zgurovski, WOSH MC
NIKYOT0 и Константин Константинов | 03.10 - 30.10.2024 Никол Андонова, известна под артистичния псевдоним Nikyoto, е български визуален артист, който трансформира епоксидна смола в триизмерни флуидни обекти. Използва собствена развита технология, която включва моделиране на смолата на ръка. Вдъхновена от темата за природата, тя създава уникални 3D ефекти и вдъхва живот и разнообразие от форми и структури в своето изкуство. Константин Константинов е роден през 1985 г. в гр. Пловдив, България. Направлението, в което твори е неоекспресионизъм. Изключително продуктивен и съсредоточен в мисията си на художник, Константин Константинов определя себе си като интуитивен творец, който не се нуждае от предварителен план, тема, концепция, обмисляне. Tози процес е постоянен фон в мислите му и не се нуждае от допълнителни усилия, за да донесе незабавно на повърхността, това, което търси върху платното.
Елена Филипчева | Fake photo exhibition 26.09 - 17.10.2024 Куратор: Филип Попов „Фотографията е повече от средство за фактическа комуникация на идеи. Тя е креативно изкуство“, категоричен е приживе легендарния американски фотограф Ансел Адамс (1902-1984) и сякаш залага основните на вечния дискусия – може ли фотографията да бъде изкуството и да бъде допусната в почетния клуб на всички, които наричат себе си и творчеството си – артисти и изкуство. Този по-скоро риторичен въпрос вълнува много от прочутите фотографи, оставили ясна диря с наследството си, и отдавна доказали, че правят всичко онова, за което Едгар Дега пише „"Изкуството не е това, което виждаш, а това, което караш другите да видят." или пък потвърждава категоричността на Пабло Пикасо, че „изкуството отмива от душата праха на ежедневието.“ В изложбата на Елена Филипчева, която още в заглавието си задава свободата на интерпретацията като основно правило – Fake Photo exhibition, 22 фотографии в странна на пръв поглед комуникация с материи, рамки и обекти разказват за едно пътешествие в Тайланд, Камбоджа и Сингапур, с чувство за недостатъчност от докосване и емоция намерили своята добавъчна стойност от Париж. И така, както само изкуството може да събере в хармония необяснимото, и фотографиите на Елена Филипчева излизат извън ограниченията на традиционното възприемане на фотографията и добавят смело неочаквани провокации. Авторът Елена Филипчева оставя вдъхновението, провокирано от различния поглед на фоторепортера, да изведе разказа на друго ниво, където без думи се срещат визия от източната мистерия и материята на западната реалност, колажи от спомени, желания, мечти. Разбиране за един свят и странни наблюдения за друг - непознат и неразбран. Пътуване на обърканите мисли между харесване, любознателност и отхвърляне. Цветен облак, който придобива различни форми, за да можем докато го наблюдаваме въображението ни да измисли нашия видян образ. И ако пътуването е експеримент на духа, то в необичайните фотографии на Елена Филипчева, то ту се наслаждава, ту задава въпроси, ту се дистанцира, ту съзерцава или пък любопитно наднича зад стените, водата, растенията или човешките лица. Всеки герой разказва своята история и не търси пресечени точки, нито с реалността, нито с другите участници в своеобразния артистичен колаж на Филипчева. Фотоувеличението, което в историята на киното завинаги се свързва с Микеланджело Антониони, във Fake Photo Exhibition, е излязло извън рамките на интимното преживяване между субекта и снимащия човек, предизвикало артистичната гравитация със свободен полет в реалност, която не обясняваш, не изпитваш, нито пък нахлуваш в нея, а си потънал в тихо съзерцание с ясната идея за ограничеността на времето и пространството. И тоталната свобода на личната интерпретация, която е всъщност дълбоко интимно фотоувеличение в първо лице единствено число. Краси Генова
Преодоляване | Петър Георгиев-Рей 09.09.2024 - 29.09.2024 „Преодоляване“ е покана за вътрешно пътуване и изследване на необятността на духовното и творческото пространство. Тази изложба призовава всеки от нас да се свърже с дълбоките слоеве на своето същество и да открие магията на невидимите светове, които обитаваме в нашето въображение. Изложбата „Преодоляване“ предизвиква зрителя да се потопи в свят отвъд физическата реалност, свят, където духът е свободен да се движи без ограниченията на времето и пространството, едно астрално пътуване като форма на бягство, трансформация и лично израстване. Всяка картина предлага уникално визуално преживяване, което насърчава зрителя да размишлява върху връзката между тялото и душата, между материалното и нематериалното. Изкуството на Петър Георгиев - Рей е пътуване и символ на стремежа ни да открием нови хоризонти в себе си и в заобикалящия ни свят. Преодоляването в този контекст не е само физическо, а и духовно – излизане извън границите на познатото, за да открием и осъзнаем безкрайните възможности на човешкото съзнание.
Фотографска изложба на Велин Белев "Съотношения" 05.09-25.09.2024 Когато се взираме в света около нас, вече сме прекрачили прага към множествеността, а значи и към съотношенията. Има съотношения видими, подчинени на хармонията или дисонанса, има и такива, които убягват от сетивата и могат да бъдат уловени единствено чрез ума. Съществуват вероятно и други, които не могат да бъдат сведени до познатите нам възприятия. Както всеки изобразителен жест, така и фотографският е по своята същност жест, който неизбежно разбулва някакво съотношение. Пропорциите на фигурите, цветът и експозицията, са технически средства при фотографията. Чрез тях могат да бъдат изразени съотношения, които препращат към сферата на символа и към сюжети, изискващи интерпретация. Представените фотографии не преследва непременно стимулирането на интерпретативния акт. В още по-слаба степен те целят да онагледят някакъв специфичен наратив. Тяхната ориентация е по-скоро към непосредственото естетическо възприятие, към интуицията за определен тип пропорции, чувство за цвят и светлина.
Изложба на дипломираните от НХА - Випуск 2024 специалности “Текстил-изкуство и дизайн”, “Метал”, “Графика”, “Дизайн на детската среда” 17.07-31.07.2024 Проект “Изложба на дипломираните от НХА - Випуск 2024” София представя в ONE Gallery изложбата на дипломираните от специалност “Сценография”. Проектът се реализира. с финансовата подкрепа на Програма “Култура” на Столична община за 2024 година. Партньори: Столична община, Съюз на българските художници, Регионален исторически музей – София, „Топлоцентрала“ – Регионален център за съвременни изкуства, Арт център БАНКЯ, Сатиричен театър „Алеко Константинов“, галерия ONE, галерия INTRO, галерия САН СТЕФАНО
Елина Кешишева "Контакт" 01.07-14.07.2024
Изложба на дипломираните от НХА, специалност “Сценография” — Випуск 2024 г. 13.06-29.06.2024 г. Проект “Изложба на дипломираните от НХА - Випуск 2024” София представя в ONE Gallery изложбата на дипломираните от специалност “Сценография”. Проектът се реализира. с финансовата подкрепа на Програма “Култура” на Столична община за 2024 година. Партньори: Столична община, Съюз на българските художници, Регионален исторически музей – София, „Топлоцентрала“ – Регионален център за съвременни изкуства, Арт център БАНКЯ, Сатиричен театър „Алеко Константинов“, галерия ONE, галерия INTRO, галерия САН СТЕФАНО
RASSIM® | Unfinished works 2024-2007 15.05.2024-10.06.2024 The artist's career in the modern art world depends on both the artistic qualities, visual solutions and conceptual searches of his work, and to a large extent on its presentation and the formation of a certain "aura" around the exceptional nature of the work and its author. This strategy was well accepted in the context of the Bulgarian neo-conceptualism and at the beginning of the 21st century RASSIM® was already among the famous Bulgarian artists, participated in prestigious international forums, was included in Western contemporary art publications and managed to convert the author (himself) into a carefully transformed or more precisely "corrected" work of art. Behind this well-polished business card of the professional artist hide many experiments and various technical conventions which, due to their transitory nature, usually remain in the shadow of the presented projects and finished works. Therefore it can be said that the current exhibition represents an unconventional solution - it includes unfinished and undisplayed works made after 2006, in a period when the artist was searching for the form of his return to painting after more than a decade of working with the so-called alternative medias such as photography, video and installation. In this line of thought, the two large-format canvases shown in the exhibition - "The Preferred Body" (2007) and "Separation from the Body" (2007) can be understood as central to the exhibition because they are part of the mentioned transformation in the artist's work and are completely unknown to the audience. The use of acrylic paint and the work on preparatory drawings are atypical solutions for the later painting series of RASSIM®, and therefore even if we assume that these two paintings are a conceptual continuation of the project "Corrections" (1998/1996), they are also a testimony to the new at that time formal pursuits of the artist. This deliberate replacement of the media is also found in the most recognizable among the included works - "Self-Portrait" (2024/2015/1995), first published as an action in the magazine "Izkustvo/Art In Bulgaria" in 1995. Except that it does not share the photographic realism of the original image, the self-portrait shown stands out from his other pictorial interpretations because of the collaged kinesio tape, a sign of the physical strain on the artist's body. An important highlight of the current exhibition is the painting "Et in Arcadia ego" (1630/2016) by Nicolas Poussin, which represents the next period in the work of RASSIM® - since 2006 the artist has been painting with organic materials and natural pigments such as urine, salt, burnt motor oil, petroleum and bluestone. Although an exact compositional replication of the original, this work from the "Old Pictures" series can be referred to as "unfinished" due to the sketchy nature of its pictorial development and the looser treatment of form, background, and overlooked details. Such a presentation of the author in front of the public is rare in contemporary art, because to a large extent the already mentioned "aura" derives from the mystery of genius, from the work hidden from all viewers in the studio, and from the illusion of almost non-artificial perfection - an illusion maintained by institutional standards in the art world. That is why this time, not with the yellow gloves from the cover of a magazine, but with white gloves and directly from his studio, RASSIM® provokes with a frank look at the unfinished and imperfect, but carefully preserved for years paintings and preparatory drawings. We must ask the question, do unfinished works have a legitimate place in the exhibition halls or are such attempts exotic, valuable only to researchers and specialists? This institutional case can be answered in principle positively - that in the world of art today everything is subject to legitimisation - especially if it falls within the field of historical science. And precisely because final conclusions are the prerogative of art history, I believe that within the framework of this exposition, freed from academic commitments, we can allow ourselves to form a preliminary and partially adjusted idea of the "unfinished works" of RASSIM®. Ivan Stefanov * The opening of the exhibition will take place on the 15th of May 2024 at 19:00 in the space of ONE Gallery, address: 1A Dyakon Ignatiy Str.!
TRESOR Collective exhibition - Painting and Sculpture 04.04.2024 – 07.05.2024 The exhibition presents the dialogue between two authors who, through their art, examine the themes of materialistic desire, aesthetics and the construction of value. "Tresor" is an area where objects and trends are symbolically stored, raising questions about the fetishization of objects and symbols from our everyday life. Deyan Valkov works with oils and organic materials to create paintings that invite to emotional and spiritual contemplation. He is an intuitive artist who works by making marks, builds and breaks down, layering color on top of color until the image emerges. His themes are figurative. His intention is to provoke a narrative from sensory memory. He says, “I never start with a specific idea. I start with an impulse, a gesture, a color to which I react emotionally the way a listener reacts in a conversation. The stories evolve and change as I work. Often my work is also a conversation with myself.“ Ina Vasileva-INA is an author who works in the post-feminist artistic sphere. The range of her work includes sculpture, performance, installation and painting, and she often uses materials and processes associated with early conceptualism, pop art and minimalism. INA's diverse practice spans a variety of media and references, including clothing, accessories and cosmetics, drawing, painting and icons of modern art. In her objects, she emphasizes the valorization of superficial appearance and female beauty, while the interplay of gender expectations in her objects questions the boundaries of femininity. In her vast artistic universe, everything is a source of inspiration and search. She critically reflects on wider concerns about temporality and permanence and the fleeting nature of value in modern society, where objects and trends are rapidly becoming obsolete. INA sets topics for reflection on systemic, internalized cultural values, prompting a deeper search into the values of our contemporary notions of gender and the role of women. Desislava Zafirova, curator
Sophia Dobreva - Nolita’s solo show Bluebirds explores the realms of the subconsciousness, loneliness, and belonging. The author experiments with the concept of letting go of personal demons and exploring, comprehending, and accepting them during the creative process. Their translation on the canvas serves as a peace sign and leads to a catharsis of sorts. However, is peace achievable and how long can it endure? Bluebirds is a visual voyage through the deep blue of the human subconscious. The artist explores her personal prejudices and concerns as a long-term migrant, asking questions about the ingrained notions of gender, ethnicity, and origin. Through the study of her own demons, turning them into picturesque characters and exposing them to a wide audience, the author aims to shed light on a person’s hidden life companions - his inner struggles and fears. With the help of contemporary art, the artist seeks to normalise the conversation about the detox of the soul and its nurture. Sophia Dobreva - Nolita is a Bulgarian multidisciplinary artist living and working in Manchester, UK. Social justice and feminism are constant themes in her practice. Sophia works in the field of painting, illustration, animation and graphic design. The author is guided by the idea of syncretism in art and is inspired by and collaborates with artists from the musical and literary spheres. For her painting work, Sophia relies on the power of absolute colour, bold volumes and reaching global themes through intimate experiences.
Равновесие | Кураторски проект на Добромир Иван 19.02.-03.03.2024 Равновесието не е задължително, то е пожелателно състояние! Към него се стремят Епикур и Сафо, Монтен и Хайдегер, Зонтаг и Сартр. Еквилибриум ще се цели също и в груповата изложба в ONE Gallery от 19.02.2024 г. до 03.03.2024 г. Нарочно са подбрани автори от различни поколения и противоположни стилове. Неуморимият Сашо Стоицов и провокативната Елена Панайотова, поетичният J. Pank и скандалната Lina Bo, замечтаният Стефан Петрунов и строгата Леда Старчева. Гостенката от Дюселдорф Ваня Петкова и д-р Паушенвайн от Виена с тяхната студена абстракция. Не може да подминем безразлично мистичната тухла на д-р Гатев или личната митология на Косьо Минчев. На втория етаж в галерията видео инсталации ще покажат Георги Ружев и гостенинът от Ню Йорк - Тушев. Виното на вернисажа ще е от Карабунар – Villa Velis е верен фен на съвременното изкуство!
"ERUPTING" "Because pain is more painful, if silent" Giovanni Pascoli - Nuovi Poemetti (1909) - from "Il prigioniero" Contemporary society, bold and unpredictable, heralding significant and rapid changes, advocating for fortuitous goals and unexpected luxurious sufferings, increasingly and swiftly becomes saturated with nefarious feelings that converge into what we all know as a sense of disorientation or the experience of emptiness, one of the constitutive stages of collective life. The consequence of all this is undoubtedly the pathologization of anger, an excessive and sudden feeling characterized by overwhelming anguish, pressing and irreducible, a mere signal that something is not going in the right direction. In this regard, Aristotle, in his treatise on ethics titled "Nicomachean Ethics", probably dedicated to his father Nicomachus, states that virtue perpetually teeters between excess and deficiency, emphasizing that every virtue and vice are neither inherently good nor bad: they are simply a matter of symmetrical harmony. This also applies to anger. Anger is not inherently evil but entirely depends on human action, considering that the "state" is not sufficient, and the "activity" is also necessary, namely power and action. And so, anger, the emblematic manifestation of profound personal and inner suffering, becomes the most immediate response to the absence of that idea of "perfect" happiness. Therefore, it is only by navigating this challenging crossroads, strongly marked by cathartic purposes, that we can ensure a new form of balance for ourselves. Based on these assumptions, "ERUPTING" in an attempt to channel the impetuosity of abyssal pain towards gentleness and beauty, relies on the Aristotelian axiom that "getting angry is easy, everyone is capable of it, but it is absolutely not easy and, above all, not for everyone to get angry with the right person, in the right measure, in the right way, at the right time, and for the right cause". Moreover, in the words of philosopher Emil Cioran, "ERUPTING" speaks openly to all those facing "a world unified in the coarse and terrible," to all of us who "have the phenomenon in our blood," who are born already "in the fever of the visible," and for whom every strategy aimed at moving towards "liberation from oneself and from everything" will involve the virtues of discernment, care, and disillusionment. Thus, "to become futile, we must cut our roots, become metaphysically foreign". At this point, it is inevitable to ask: "Today, who cares more about the soul?". What follows is a possible and strongly desired pacifying process that, fueled by movement, pushes emotions to the point of no return. A perpetual climax that culminates in an explosion, seeking a managerial balance that eschews violence but processes certain emotional states toward a propitious and liberating flow. In this bold attempt to explore human emotions, the multidisciplinary Bulgarian dance company Karakashyan & Artists collaborates with Il Bottone Foundation to delve into the complexity of mental health and the processing of anger through the performance titled, precisely, "ERUPTING". The performative act involves four dancers from the Bulgarian company who confront the different nuances and expressions of anger, using their bodies as brushes to materialize the visceral embodiment of anger itself, transposing it onto blank canvases. As they contort, they spontaneously throw color onto the canvases, staining them, creating vivid and original works that testify to the ephemeral nature of our emotions. Every movement becomes an irreproducible, passionate, and vibrant splash, defining that inner turmoil that often proves to be intangible. The Karakashyan & Artists company, known for its engaging and avant-garde production, embracing the beauty of the intimate, visceral, and subversive, invites the audience to immerse themselves in the pulsating energy of this performance. By intertwining the inherent forces of dance and visual arts, it generates a compelling narrative that invites the onlooker to a heartfelt participation in the dialogue on the importance of recognizing and understanding the complexity of articulated human emotions. Domenico de Chirico
MONEV CONTEMPORARY opens 2024 with an exciting event in the art world – the postmodern exhibition by Dimitar Mitovski. The exhibition can be viewed from January 18th to February 11th at the new space of Gallery ONE - 1 "Dyakon Ignatiy" Street, as well as in Mitovski's Web3 space on OpenSea, where some of the works are presented as NFTs: https://opensea.io/collection/cosmic-noise Known more as a director, Mitovski, in his unique style, once again highlights his connections with unconventional visual art. The center of the exhibition titled "Cosmic Noise" is a long-playing record inspired by the popular British band Pink Floyd. Inspired by the iconic cover of the album "Animals" with a massive inflatable pig flying over the Battersea Power Station, Mitovski has replaced the symbol borrowed from Orwell with a green extraterrestrial one. His concept argues that "reality is not what it used to be" and he presents a new reality that challenges with its contemporary vision and content. Mitovski's LP vinyl is a limited edition work of art. The author's goal is for original works to reach more people at a price comparable to that of standard music records. For the same reason, parts of the sound and visuals of "Cosmic Noise" are presented in digital NFT format in Mitovski's Web3 space on OpenSea. At the intersection of technology and art, DigitalConnection is the team that constructs the bridge, ensuring each NFT artwork finds its way into the curated collection of discerning enthusiasts. Learn more about the NFT collection "Cosmic Noise" at: https://mitovski.eu